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送你一套“儿童绘画实操课”不用学网课妈妈就能教

不能出门的日子,孩子的学习不能放松,所以网课盛行,就连画画班也搬到了网上,这对孩子的眼睛来说,负重太大了。

但是如果家长没有一定的绘画认识,很容易对孩子的绘画造成影响,阻碍他们的想象力和创造力。所以这堂课,家长要先理解、吃透。

“没有基础”“不会画”“没学过”这种想法几乎存在于每一个不了解绘画的人身上。这种在心底潜伏的坚固偏见不仅束缚自己的动手能力,还会在一定程度影响孩子。

著名日本儿童绘画大师安野光雅给了我们一个耳目一新又真挚诚恳的建议,他说:“如果你对画画一窍不通,那就太棒了,因为你还没有被死板的观念禁锢,充满了打造个人风格的无限可能。”

读了《安野光雅的十二堂绘画课》,小编自身深受启发。首先感慨于这本书对我这个绘画小白竟然起到“灵魂拯救”的巨大作用,其次惊叹于一位90多岁的老人,他的绘画思想和理念,以及他的作品,居然这么与时俱进,70后,80后,90后,00后都对他爱戴有佳。而他的诸多绘本作品更是受到小孩子的热爱。

如果你对画画一窍不通,那就太棒了。你还没有被死板的观念禁锢,充满了打造个人风格的无限可能。

对画画这件事有个正确的认识态度非常重要。这也包括对自己的绘画能力的肯定。

3。漂亮的、精致的、好看的才是好作品。我随便涂鸦,画得难看,所以算不上画画。

这三点错误的认知在心里作祟,导致自己迟迟不能提笔,不敢尝试。借用安野光雅在书中的话来打破这种错误的认知,并建立正确的画画理念——

What?这样讲,好像真的太随心所欲了些吧?!真的没有瞎说,你若读了安野光雅在书中引用的一位日本象棋国手的话,就会明白问题出在哪里。他说:

“如果你想毁掉一个人,就手把手地教他。等他飞速进步到一个程度,那就是终点。如果你真想培养一个人,只要默默看着他,等他靠自己的力量爬上来。”

很多孩子很多人,包括成年人,都还在循规蹈矩地学着素描教程、水彩教程,以为一幅像模像样的画作就是成功。殊不知,这并不是绘画的全部,仅仅是一种操作技法而已。久而久之,还会在孩子心里形成教条式的理解方式,影响孩子的创意思维。

这是一句让人感觉很害怕的话,尤其放在孩子身上。那么变换角度,如果真的想要画一些画,一定不仅仅是画风景那么简单,它还饱含画者的心情、体会和理解,而按部就班、手把手的教程一定无法做到,也从来没有教过。只有自由表达和描绘,那才是属于自己的绘画。

我们以法国奥维尔小镇的教堂为例。梵高在奥维尔度过了生命最后的两个月时光,他画的《奥维尔教堂》笔触狂放,犹如燃烧一般。颜色、形状都与实物大相径庭,但比起写实画法的教堂更打动人。

安野光雅在走访奥维尔小镇时也试着画了这座闻名于世的教堂,他试图用取景框画一幅写实风格的教堂。虽然这种画法早在文艺复兴时期就出现。但是安野光雅很快就放弃了,因为在用取景框的时候,

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让他觉得自己变成了机器。看似章法有度,实际呆板,毫无个人风格。

 

对比机械性的画和梵高的作品,可以明显看出两者的差别。这也给我们很好的启迪。画画不在于用什么样的技法,而在于创造性思维和心灵的自由表达。所以画得多么写实并不是衡量一幅作品好坏的关键,作者的精神思想透过作品的流露和表达才是最重要的。这样画出来的作品才独一无二,充满生命张力。如果写实地画,大概你画的、我画的,大家画的,都所差无几吧。

安野光雅在几次写实临摹失败后,最终选取了教堂的一个远景,超脱绘画技法的限制,画了一幅静谧、绿意盎然的《梵高的教堂》。从这幅作品中,很显然地,我们看到了属于安野光雅自己的风格——恬静、雅致。

尽管探索自己的风格不是一朝一夕的事情,但是从最开始拿起画笔就坚定“自由绘画,不被条框技法束缚”的理念,久而久之,就一定会形成自己独有的风格。无论是什么绘画工具,都能画出充满生命力的作品。

让充满童心童真的孩子去画写实的作品确实显得枯燥了一些,甚至对于低龄儿童来说,也难了些。家长需要做的,就是不断地鼓励孩子,让他们自由地画画,尽情地表达自己。

边看绘画对象,边用线条描绘。也就是说,自己是怎么看的,怎么认知的,怎么感觉的,这些要素直接转化为线条,出现在了画面上——画者的感性体现无遗。所以,乍一看很简单的素描,其实是画者最真实的投影。也就是说,速写就是用线条去翻译绘画对象。

速写是绘画练习中经常用到的绘画方法。该省略的省略,只抓重点就尤为重要了。而线条也是最直接的表达。虽然风景不是由线条构成,但是所画的线条都是从作画对象看到的,通过自己的认知和感觉进行了转化。这个时候,虽然画面简单,甚至线条歪歪扭扭,但也是孩子真实想法的投影。速写其实就是。

画画的人必须备齐所有的颜料吗?当然不是了。不是说不备齐82种颜料就没法画画。只要从里面挑选你喜欢的颜色,随意地画就行了。慢慢地,你就会明白自己的用色喜好,使用的颜色也就固定下来了。

在这幅作品中,我们明显可以看出,实景图并没有很多黄色,但安野光雅在上色时,因为画面中心有黄色的树,所以想在远处也加点儿黄色元素,在不断协调画面颜色时,不知不觉就成了我们看到这幅颜色明快又充满平和美好的风景画。虽然与实景不同,但英国秋天的美景在安野光雅的画笔下,更别具一格。

所以,所谓的创造性和个人风格,就是在不断的作画下形成的,并非有什么特殊的训练和一蹴而就的方法。如果按照某一种模式去训练,又会陷入按部就班的条条框框。因为安野光雅画的是他旅行途中的风景,而我们每个人生活中所见所感并不相同,这个时候需要灵活自由的表达,传统技法显然无法教会我们。

在画面中,黄色的点缀让画面变得灵动明快,更有生机。而屋顶和墙面的上色对比,也可以说是色彩组合,让整幅画更有格调,更加迷人。比实景图更清新柔和。

画精致的建筑容易,而要画走动的人、行驶的车辆时,刚开始时,哪怕画得像玩偶也没关系。或者像稻草人那样僵立不动的人像也没事。只要添上人,画面就不会太死板。

建筑、街景也是在旅行中经常要画到的。当地的风格特色的体现,街道的繁华热闹都需要用画笔来表达。

斯特拉斯堡的建筑风格属于中世纪建筑,在岁月的洗礼下,别有风味,但是左边比较新的建筑会让画面失去协调。所以其实可以用“拆开再组合”的办法,把现代风格的建筑去掉,画上古老的那一个就可以了。

当然了,这仅仅是安野光雅的选择,每个人眼中的风景不同,完全可以照着自己的心思来画。并不是一定只画古建筑,也并非一定要用“拆开再组合”的办法。按照自己的想法去画,才是自己的创意。只是在反复作画的过程,要慢慢学会考虑画面的协调。

画画还可以表达天气哟,比如下面的英国拉文纳姆一个广场的咖啡馆,时间是冬天。实景图中冬天的阳光在安野光雅的作品中不见了,房屋的墙壁因为阳光的照射而格外耀眼,但在安野光雅的作品中,则被用泛着蓝光的灰色所代替,和天空的颜色形成一致,近处地面的阴影也用普通的灰色所代替,抹去了实景中光线对比形成的明暗反差。寥寥无几的行人似乎也在诉说着冬天的寒冷。

总之,绘画这件事,如果要说经验之谈,那一定是在画过程中慢慢体会到的,假如还谈不上创造力的高度,思想的放松和追求心灵的美感是必备的。

有人说:“我喜欢画画,就是有点儿胆怯,不敢开始。”还有人说,“因为我没有绘画基础。”那我就要问了,怎样才算有基础呢?有人就回答说:“调色呀,配色相关的知识。”在我看来,这些都是体验式的,画的过程中就学会了。看似问问别人,就能掌握。可这又不是什么立竿见影的药。就算暂时掌握了,未来可就没有长进了。这要靠自己体会。

许多艺术教育并没有启动我们内心真正对美的感觉,对外在世界、对大自然、对色彩、对形状的感觉都没有,而是把我们隔离在另外一个地方,教我们一些所谓很重要的知识,可是知识并不代表情感,没有启发感觉的艺术教育是没有生命力的。

中国著名舞蹈家杨丽萍,在她用《雀之灵》拿下全国舞蹈比赛创作和表演的第一名时,别人问她为什么能赢,她说:“因为我没有对手。”这不是自负,是讲出实话而已。因为她的舞蹈不模仿、不跟随。她接受采访时说:“小的时候就受长辈的影响,他们不是说教你某一个动作,或者教你一些什么方法。他们会教,比如‘女人就应该像月亮’。很抽象,很艺术吧?月亮的特质有很多,寓意有很多,比如美、皎洁、明亮、干净、圣洁。然后你要把这些寓意都要想透了。”

绘画也是如此,它是一种艺术形式。对于艺术,从来没有固定的格式可言。一个思维自由、想象力丰富的孩子,不论他将来做什么,是否成为画家,都会因为他非凡的创造力成就精彩的人生。

 
 
 
 
 
 
 
 
 
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